Les fedbacks après l’impro :

C’est le cas le plus courant et à mon sens le plus simple à gérer : une fois l’exercice passé, vous allez commenter ce qui vient de se passer dans l’idée de donner aux élèves les meilleures billes pour s’améliorer.

Je vous donne 3 astuces pour que ce feedback soit pertinent :

• Soyez en cohérence : Si vous avez lu mon article sur la construction d’atelier, vous avez déjà déterminé ce que vos élèves doivent retenir : le take home message. Votre commentaire doit être lié à cette thématique. Par exemple, vous animez autour de l’écoute et sur une séquence vous pouvez commenter tant sur l’écoute que, imaginons, sur la corporalité d’un-e comédien-ne. Privilégier votre commentaire sur l’écoute pour ne pas mélanger vos messages, on verra la corporalité plus tard ! Sauf bien sûr si quelque chose d’évident et de facile à corriger apparaît. 
• Moins c’est plus :  A chaud, après une scène, concentrez-vous sur 1 élément précis et soyez concis. Les grandes phrases et les circonvolutions vont noyer votre message (restez bienveillant-e-s bien sûr).
• Ne soyez pas dans une tour d’ivoire : Quand vous faites votre commentaire, gardez bien en tête que vous ne donnez que votre avis à un instant T. Précisez-le au début de l’atelier et rappelez que vous n’avez pas la science infuse. Une bonne méthode est de faire participer le public pour voir s’il partage votre point de vue et si d’autres avis pertinent peuvent se joindre (ou s’écarter) du vôtre.

Story time : dans la troupe où j’évolue, nous avons une tradition importante de retours, feedbacks et débriefs des impros. Tout le monde participe quelles que soient l’expérience et l’ancienneté de chacun. Nous avons ainsi toujours plein de visions différentes et parfois contradictoires, ce qui nous permet d’avancer !

Quelques phrases type de feedbacks de ce type  :

Élève : « Mince je crois que j’aurai dû plutôt dire ça »

Formateur : « Oui, mais ce qu’on travaille aujourd’hui ce sont les mimes d’objet et là quand tu as tenu le stylo, c’était bien parce qu’on a vu que …. »

Formateur : « Quand tu joues l’ogre là, personnellement je ne l’ai pas vu, j’ai juste vu toi avec une grosse voix. * se tourne vers le public * Vous l’avez ressenti comme moi ? Qu’est-ce qu’on aurait pu faire pour que son ogre soit plus ogresque ? « 

Formateur : « C’était très bien rien à dire ! Bon pour ton écoute on en reparle à l’atelier de la semaine prochaine, mais là c’était très bien, bravo !

Les feedbacks en cours d’impro :

Alors là c’est bien plus risqué. Il s’agit de potentiellement interrompre une impro en cours de route pour essayer de l’orienter dans une direction ou corriger un élément.

Quand je dis que c’est plus risqué, c’est que de fait, vous allez déstabiliser les comédiens et comédiennes sur scène, qui sont peut-être à fond dans leur moment et bien dans le flux.

Pourtant je trouve ces feedbacks ultra efficaces pour amener des élèves dans une direction dans laquelle iels ne seraient jamais allé-e-s spontanément. Ainsi vous pouvez les amener à débloquer des compétences et à prendre conscience de certaines habitudes bien ancrées.

Alors comment faire ça bien ? Comme d’hab, 3 points clés !

• Préparez le terrain : Encore plus que d’habitude, au début de l’atelier expliquez que vous allez les interrompre pour leur donner des éléments ou des indications à suivre. Que ces indications sont votre lecture à un moment donné et qu’elle peut être mauvaise, mais que vous pensez que ça peut être utile car vous êtes à l’extérieur de l’impro et vous avez une vision plus globale. Ouvrez-vous à la critique et soyez prêt-e-s à ce que certain-e-s participant-e-s soient déstabilisé-e-s voire agacé-e-s par vos interruptions. 
• Soyez brefs mais prenez le temps : Lorsque que vous souhaitez faire une intervention, faites le dès que vous sentez que c’est le moment et gardez l’intervention la plus courte possible. Par exemple « Non, là tu lui dis que ce qui compte c’est que vous soyez ensemble« . Cependant, car on peut être pris dans l’action, on est parfois mal compris-e dans ce cas : mettez le chrono en pause (s’il y en a un) et prenez le temps d’expliquer votre choix. Par exemple « Attends pause, là ce que je ressens c’est que ton personnage n’ose pas se lancer dans le moment sentimental, du coup tu mets des freins. Je te propose plutôt de lui dire que ce qui compte c’est que vous soyez ensemble, on va voir ce qu’elle va te répondre! C’est plus clair ? Ok super, reprenez! « .
• Prenez encore plus de temps pour débriefer : Après la scène, comme vu précédemment, vous pouvez prendre le temps de revenir sur vos interventions, sur pourquoi vous les avez faites et sur comment les personnes sur scène l’ont ressenti. Plus vous serez dans l’échange, plus votre coaching s’affûtera et vos retours seront efficaces. Mieux, ils seront mieux acceptés et compris car vous prendrez le temps de dialoguer avec le groupe.

Au final, dialoguez avec votre groupe et soyez prêt à parfois vous planter. L’exercice en vaut la peine : il n’est pas simple mais est très utile pour faire progresser tout le monde, tant les élèves que les coachs.

Pour conclure je pense sincèrement que les feedbacks sont excellents, quels que soient leur type, la personne qui les donne, etc. Cet échange est fondamental pour progresser et faire progresser les comédiens et comédiennes. Ainsi, ils limitent les mauvaise habitudes, boostent la confiance du groupe car nous n’avons pas peur de se dire les choses.

Dans tous les cas, faites-vous des retours ! Je dirais même plus, faites-m’en dans les commentaires juste en dessous ou contactez moi pour en parler

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C’est quoi cette phrase ? 

Je vais continuer à vous teaser un peu  

A votre avis, quelle est cette phrase prononcée en début d’impro (ou pendant celle-ci), qu’on retrouve assez couramment dans la vraie vie et qui est un vrai tue-l’impro ? 

Je suis sûr que vous la connaissez, et que sur scène vous l’avez déjà laissé échapper :  

« Je m’en fous ! »

signé Un improvisateur inconséquent

(et ses variantes : « j’en ai rien a foutre », « ça ne m’intéresse pas », etc… ) 

Si vous avez déjà compris le problème, vous pouvez vous arrêter ici Mais n’oubliez pas de partager l’article auprès de vos camarades d’impro ! 

Si vous voulez aller plus loin, la suite juste en dessous : 

Qu’est ce qui ne va pas avec ça ? 

En impro, tout compte. Le public voit tout, entend tout. 

Alors quand on dit « je m’en fous » on va à l’encontre de la règle de base d’écoute et d’acceptation. Vous dites à l’autre que sa proposition est inintéressante voire insignifiante. 

Avouez c’est pas top. 

Alors pourquoi on dit ça ? Je vois 3 raisons : 

• On a peur d’être soi même ignoré, alors on force l’autre à se raccrocher à nous. Vu que sa proposition est insignifiante, l’autre n’a d’autre choix que de proposer autre chose en rapport avec notre je-m’en-foutisme 
• On veut jouer un personnage blasé. Ne faites pas ça 
• On cherche le conflit. Ne faites pas ça.

Mais on peut quand même dire cette phrase en impro ! 

Sacré retournement de situation n’est-ce pas ? 

Notre personnage peut dire qu’il n’en a « rien à foutre » mais ça doit être amené avec intelligence. Tout comme un conflit, vous devez construire sur la durée (oui même si vous n’avez que 2′) votre absence de foutre à avoir. 

Si votre personnage commence comme quelqu’un d’attentif, soucieux des autres et de leur bien être, peut-être même un peu mièvre mais qu’au cours de l’impro, suite à ce qui lui arrive, vit une évolution qui culmine à quelques secondes de la fin sur un retentissant « Maintenant, j’en n’ai plus rien à faire ! », ce sera très puissant ! 

Si vous n’en avez rien à faire, on veut savoir pourquoi. Qu’est ce qui vous a amené à être aigri au point que les autres ne vous font plus rien ? C’est ça qui est intéressant. 

Bonus : Comment réagir quand l’autre n’en a rien à faire de nous ? 

Et oui parce que si vous avez bien suivi ce que je vous ai proposé et que vous devenez un expert du j’men-foutisme intelligent, il peut arriver que ça ne soit pas le cas de votre partenaire. 

Aussi si on vous sort cash une telle réplique sortie de nulle part, je vous propose une solution simple. Acceptez, proposez. On en revient toujours là !

Par exemple : 

A : « Seigneur, les paysans arrivent pour nous faire la peau ! » 

B : « Je m’en fiche ! » 

A : « Ah, mon seigneur, aujourd’hui vous vous en fichez, mais je me rappelle du temps où mon bon Seigneur se préoccupait de ses gens, était soucieux que son royaume se porte bien… Vous avez changé depuis que votre épouse nous a quitté ! » 

A lance un flashback 

C’est un exemple mais voyez comment on peut retourner la situation à votre avantage. Là où B pensait vous déstabiliser, il se retrouve embarqué dans votre histoire et amené à lâcher son attitude délétère. Notez que A n’a pas lâché son idée ! Seulement adapté celle-ci. 

B aurait pu aussi commencer à être beaucoup plus en empathie et, imaginons, face à la violence ou la méchanceté des paysans aurait fini par se détacher d’eux et là, il aurait pu finir l’histoire sur son désintérêt pour les autres. Nous aurions eu alors une belle évolution de personnage et une conclusion forte. D’autant plus s’il a vécu des choses avec A qui lui devient triste (par exemple) de voir son maître s’enfoncer dans la méchanceté. 

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Pourquoi on s’engueule dans nos impros ?

Vous voyez bien de quoi je veux parler, deux personnages qui ne savent pas trop quoi faire vont commencer à trouver un conflit autour duquel ils vont passer beaucoup (trop) de temps avant de (parfois) le résoudre.

C’est un schéma très classique qui a quelque chose de rassurant. Un conflit est un enjeu facile à mettre en place et qui permet de monter facilement en énergie en se hurlant dessus.

Attention, on ne parle pas ici d’un désaccord comme on a pu en parler avant mais bien d’une situation qui s’envenime brutalement et qui ne fait que « monter dans les tours » sans avancer.

Pourquoi c’est pas terrible :

Un conflit, tel que je viens de le décrire, sorti de nulle part, fait pour gagner du temps et montrer qui crie le plus fort, ne fait pas avancer l’histoire, ne crée pas d’enjeux. Pire il n’aide pas à caractériser les personnages et leur relation.

C’est souvent plus gênant qu’autre chose de voir deux improvisateurs s’hurler dessus plutôt que d’essayer de construire quelque chose. Sans compter qu’en général on reproduit des situations de dominations qui sont parfois évitables. Pensons au mari qui engueule sa femme, le père qui gronde son enfant, etc etc.

Enfin, quand on crée un conflit pour gagner du temps … Et bien ça se voit. Le public n’est pas dupe et se rend compte de la supercherie et n’attends qu’une chose : que ça passe.

Nous sommes conditionnés à ne pas aimer le conflit, de façon presque animale, c’est un instinct de survie. Alors quand on le voit reproduit sur scène alors que ça devrait être un moment de détente, le public, les comédien-ne-s, bref tout le monde, se tend.

Faut-il ne faire que des impros « bisounours » ?

Non bien sûr, un conflit entre personnages peut créer de l’enjeu, approfondir des relations, entretenir un suspense etc. etc. 

En revanche, pour qu’un conflit ait du sens et donne du poids à votre impro, il faut le préparer. Et préparer un conflit ça passe par être d’accord.

Il faut créer la connivence entre deux personnages, créer leur accord et leur entente avant de l’escalader vers un conflit. Il sera d’autant plus fort de voir une relation se détruire ou se mettre en danger par un conflit ouvert si celle-ci était crédible avant !

Le conflit peut être l’apothéose d’une impro et non pas une péripétie ou son début. Prenez le risque de créer une complicité et amusez vous à la mettre en danger en créant un conflit justifié.

Pour cela prenez des éléments posés précédemment dans l’impro et faites en le moteur, la source du conflit plutôt que d’inventer une raison de nulle part.

Enfin vous pouvez explorer d’autres pistes que celle de monter la voix et s’enguirlander comme des poissonniers, jouez sur d’autres tableaux émotionnels et vous irez sûrement dans des endroits inattendus.

Comment le travailler ?

En atelier créez et renforcez de relations entre les personnages. Posez vous toujours la question : « Qui est l’autre pour moi ? » et si vous n’avez pas la réponse, éclaircissez de suite.

Travaillez ainsi a créer du vécu entre vous. Puis amusez vous à pousser ces relations vers les limites (dans le respect de l’autre toujours hein). Basez vous sur ce que vous vous êtes donnés pour tirer des ficelles et voir ou ça vous mène.

Normalement au moment où vous vous direz « ça serait dommage que l’impro s’arrête maintenant » et que vous vous sentez pleinement en incarnation des personnages, c’est le moment de déclencher un conflit.

Relevez un détail, un élément de vécu commun (ou un élément extérieur mais c’est plus risqué) et servez vous-en pour tenter de détruire votre relation. Teintez cela d’une émotion (colère, tristesse, mais aussi dégoût, dépit, peur voire pourquoi pas, la joie ? ) et passez à l’action.

Logiquement si vous vous vous investissez dans cette rupture et l’effet n’en sera que plus fort.

Si vous n’épaississez pas votre relation, votre conflit ne sera pas intéressant. Après tout si dans Le Seigneur des Anneaux, Le Retour Du Roi on a tous pleuré quand Frodon renvoie Sam c’est bien parce qu’on & eu quasiment 3 films avant pour comprendre leur relation. S’il l’avait renvoyé à la première scène du premier film, bon bah ça ne nous aurait fait ni chaud ni froid.

J’espère que ces conseils vous aideront à vous améliorer dans vos impros et à utiliser le conflit à bon escient !

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Pourquoi on dit qu’il ne faut pas dire « non » ?

Lorsqu’on débute, c’est normal de refuser beaucoup, en général on a une idée de ce que l’on veut faire dans la tête et on a du mal à s’en détacher, on écrit trop en avance. De plus le stress du débutant en impro parasite le fil de la pensée, créant un bel effet tunnel qui empêche d’être conscient de ce qu’il se passe.
La posture d’improvisation va venir au fur et à mesure de la pratique et du travail, mais au début de son apprentissage de l’improvisation c’est tout à fait normal de galérer sur ce point là. Il n’y a pas beaucoup d’autres solutions que de travailler pour progresser sur ce sujet.
On entend souvent les formateurs dire « Tu as dit non là » « J’ai compté 4 « non » dans ton impro » etc etc.
A mon avis cela vient de la mauvaise compréhension d’un des grands principes de l’improvisation : l’acceptation. On souhaite que l’improvisateur-ice accepte la situation et fasse progresser l’histoire.

Un « non » vient mettre un stop à tout ça et ralentit le flux. On va donc naturellement interdire aux comédiens et comédiennes de dire « non ».

Pourtant il existe beaucoup de situation ou « non » fait avancer l’histoire ! Dans Star Wars, Dark Vador et son célèbre « Non, je suis ton père » est un pivot majeur de l’histoire. Dans la planète des singes (ancienne ou nouvelle version) le mot « non » est un moteur du scénario !
On a donc pris l’habitude, par mimétisme d’interdire le « non », pensant, à tort comme on vient de le voir, que celui-ci peut être destructeur. Mais qu’en est-il vraiment ?

Différencier le non du personnage et le non de la personne

La réalité que je perçois est que le « non » est bicéphale et chaque tête doit être traitée différemment :

• Le « non » du personnage : c’est un « non » diégétique prononcé par le personnage sur scène, dont les motivations et la pertinence découlent de l’histoire et de ce qu’il s’est passé avant.

  • Ex : Le « non » du Dark Vador. Ou dans le cas d’une impro, le personnage X a établit qu’il n’aimait pas sa belle-mère, pourtant Y lui annonce qu’il vont manger chez elle. X est tout à fait légitime à dire « oh non, j’ai pas envie ! » et de traîner les pieds.

• Le « non » de la personne (si vous saviez combien je me retiens de placer « Mon non est personne » ): Dans ce cas ce n’est pas le personnage mais bien le comédien ou la comédienne qui fait part de son refus. Ce qu’il ou elle nous dit c’est « je ne veux pas prendre cette direction ». On peut détecter ce « non » par le langage corporel, le changement de ton, etc. Dans ce cas on doit réfléchir plus précisément et passer au chapitre suivant.

NB : je parle bien ici des débutants, pas de vieux briscard qui vous mène par le bout du nez en refusant toute vos propositions pour faire ce qu’il veut, ça c’est être un mauvais improvisateur …

La zone du consentement

Parfois, sous prétexte d’acceptation totale ou de « il ne faut jamais dire non », on voit que certains comédiens outrepassent le consentement d’autres. Je vous invite à aller suivre le compte « Paye ton impro » qui documente largement ce sujet.
Je ne prétend pas avoir la solution, juste de vous proposer quelques pistes quand vous improvisez pour réagir face à une personne (non un personnage) qui vous dit non :

• Acceptez le refus : après tout c’est la base ! C’est l’acceptation ! Sinon vous allez faire quoi ? Insister ? Refuser son refus, la personne va refuser que vous refusiez son refus, etc etc, la belle boucle infernale. Et je vous parle même pas du taux de cringe qui peut monter en flèche. Acceptez le refus et profitez en pour explorer votre relation ! Par exemple : « Tu ne veux pas aller chez belle-maman ? C’est à cause de ce qu’elle a dit la dernière fois à propos des enfants ? » et hop vous partez sur autre chose. En plus ça mettra à l’aise l’autre car on change de sujet. Vous brillerez plus aux yeux du public aussi qui ne verra pas en vous un forceur… Bref, vous avez tout à gagner à accepter un refus. (Toujours dans le cas d’un débutant en face de vous hein, on traitera des vieux briscards fourbes une autre fois) 

• Prenez le temps de vous connaître. Parlez du consentement en atelier ou avant la représentation. Si vous jouez avec des comédien-nes que vous fréquentez régulièrement, vous allez avoir une plutôt bonne idée de ce que vous pouvez faire ou non, de la réaction de l’autre, etc. Si vous ne les connaissez pas (par ex : match d’impro avec des troupes invitées) parlez entre vous avant des limites de chacun et respectez les.

Enfin, ne validez pas les comportements qui vont au-delà du consentement. je vous renvoie à Paye Ton Impro encore une fois. Prenez position fermement, on ne fait pas n’importe quoi avec les autres …

L’article Les trucs du débutant en impro : Oui vous avez le droit de dire non : est apparu en premier sur Impropulse.

Pourquoi on pose une question en impro ?

On dit souvent aux débutants et débutantes de ne pas poser de questions. C’est globalement vrai. Mais pour être précis, les questions que l’on veut éviter sont celles posées par le-a comédien-ne, le personnage, lui, peut poser des questions si besoin, du genre « Je sais, Christophe, que j’ai été horrible, mais peux-tu me pardonner ? »

Je pense plutôt aux très classiques « Mais qu’est-ce que tu fais ?« , « Qui êtes vous ? » ou encore « Que faites vous ici ? » qui sont très courants chez les novices.

Ces questions sont parfaitement naturelles, il est tout à fait normal de les poser. En effet, devant une situation incongrue ou difficilement compréhensible, dans la vie réelle on va poser ces questions.

Enfin, c’est ce qu’on pourrait croire. Il est très rare que deux personnes se rencontrent sans savoir pourquoi en réalité. Si quelqu’un vient chez vous et s’affaire sous votre évier, c’est vraisemblablement un plombier que vous avez contacté ! Vous n’allez pas lui demander ce qu’il fait là.

En impro donc, pourquoi poser ces questions ? C’est tout simplement un manque de confiance. Vous n’avez pas appris à prendre le lead, à assumer ce qu’il se passe, à lever les ambiguïtés par vos propositions. Alors naturellement vous renvoyez la balle à l’autre. En plus, vous n’avez sûrement pas envie de mal interpréter la gestuelle de l’autre. Et je ne compte pas si vous avez peur de la faute de « rudesse » dans le cadre d’un match d’impro…

L’inconvénient c’est que ce n’est pas naturel et le public s’en rend compte. D’autant que vous, en tant que comédien ou comédienne, vous vous mettez en position de vous faire mener par le bout du nez par votre vis-à-vis.

La solution : fake it until you make it :

Il y a deux astuces derrière ça. La première est une mini gymnastique mentale qui une fois maîtrisée devient naturelle et vous évite le piège :

• Au lieu de poser la question, dites la.
  • Ex :
    • « Qui êtes vous monsieur ? » devient « Mr le plombier, je vous attendais ! »
    • « C’est votre voiture ça ? » devient « Votre voiture me gène ! »
    • Plus difficile : »Qu’est ce qu’on fait ? » devient une action ou « faisons X »

L’autre astuce vient avec l’expérience et l’assurance : assumer le lead. L’autre propose une action qui n’est pas claire ? C’est à vous d’interpréter. La situation est confuse ? Clarifiez là. Tant pis si vous pensez « manger » le jeu de l’autre, la situation mérite d’être claire et tout le monde s’en portera mieux.

Bien sûr ces deux astuces marchent d’autant mieux que vous maîtrisez les fondamentaux de l’impro que sont l’écoute et l’acceptation.  

Bonus final : Si l’on vous pose une question du type « qu’est ce que vous faites là ? » « Qui êtes vous ? » Etc, répondez « Tu connais la réponse à cette question » effet garanti Cela forcera l’autre à se positionner et à assumer. Attention cependant ça reste une peau de banane et ça vous décharge d’assumer votre proposition à vous.

Voilà pour ce premier truc ! S’il vous a été utile partagez le et si vous avez une expérience à partager, les commentaires sont ouverts !

L’article Les trucs du débutant en Impro #1 : La question de la question est apparu en premier sur Impropulse.

Avant toute chose, n’oublions pas quelque chose de simple : être comédien c’est avoir un gros égo. Sans jugement aucun, entendons-nous, mais avoir envie d’être en représentation, de capter la lumière et de briller sur scène ne peut se faire sans une forme d’égo-trip.

Cet égo soit on l’a naturellement, soit on le cultive au fil de son apprentissage. Mais lorsqu’on prend une critique, on a tendance à sentir cet égo blessé ! Quoi, qu’entends-je ? Je ne serais pas si parfait et incroyable ? Et bien non Mais cette blessure égotique doit servir pour progresser et ainsi servir cet égo

Toute critique est sincère :

J’entends par critique ce qui est positif, négatif ou neutre (comme « évolution » peut être négatif). Plus précisément une critique, est, pour moi, tout retour ou feedback qui vous est fait après toute prestation (en atelier, spectacle ou toute représentation) par toute personne. Vraiment toute, du public passionné jusqu’à l’animateur d’atelier est en capacité de vous faire une critique.

Pourtant, on vous dit souvent qu’une bonne critique est construite et argumentée. Oui c’est vrai, mais un simple « c’était vraiment bien ce que t’as fait ! » est une critique constructive, tout autant que le « c’était pas terrible ». Elle n’est pas constructive en ce qu’elle apporte concrètement quelque chose qui vous permet de vous améliorer sur un point précis et spécifique.

Non, en revanche elle vous apporte quelque chose : le ressenti sincère d’une personne envers ce qu’elle a vu. Et ça, c’est précieux parce que c’est complètement brut. Une personne qui vous dit « j’ai adoré ! »: c’est une information importante qui reflète ce qu’elle a ressenti vis-à-vis de ce qu’elle a vu.

Donc si quelqu’un vous dit « j’ai pas trop aimé parce que X Y » n’essayez pas de la détromper à base de « Mais non, c’est parce que en fait, bla bla bla ». Car dans ce cas vous souhaitez faire changer d’avis à une personne alors qu’il n’est pas question d’avis. Un ressenti ne changera pas, on peut changer sa compréhension de celui-ci mais il n’est pas question de le changer.

Alors quand on vous fait une critique, positive ou négative, remerciez la personne pour avoir fait la démarche de vous partager son ressenti. Même quand c’est pas agréable.

Une fois ce pas franchi, il sera temps d’apprendre à prendre en compte les critiques pour vous améliorer.

Les critiques, comment les gérer :

En atelier :

[simple_tooltip content=’This is the content for the tooltip bubble’]This triggers the tooltip[/simple_tooltip]

Je vais commencer par vous raconter une petite histoire que je connais bien : la mienne (après tout c’mon blog hein :p ). [simple_tooltip content= »Pour plus d’infos sur ce sujet, je vous renvoie sur Impro de Keith Johnstone, que je ne connaissais pas à l’époque  »]J’ai commencé l’impro avec une idée en tête : rien ni personne de ce que j’ai fait avant ne m’a préparé à ce que l’impro va me faire vivre.[/simple_tooltip] Pas même mon expérience en JDR et GN. Mon état d’esprit était le suivant : « je vais accepter tout ce que me diront les intervenant-e-s, quand bien même ça me plairait pas, parce qu’eux, il savent ». Et autant vous dire que ça n’a pas toujours été facile, et qu’il a fallu attendre ma troisième année d’impro avant de commencer par petites touches à me sentir légitime à critiquer et discuter (un peu) les critiques qu’on me faisait.

En atelier donc, vous faites face à un-e animateur-ice qui a normalement plus d’expérience que vous et donc ses critiques sont essentielles pour progresser. Mais, vous avez déjà dû le vivre, parfois vous n’êtes pas d’accord avec ce que dit la personne en face de vous.

Dans ce cas, écoutez ce qu’iel dit et acceptez la critique. Comme je l’ai dit plus tôt, le ressenti est sincère. Il faut aussi partir du principe que son regard, avec l’expérience, est empreint d’une connaissance suffisante pour rendre la critique pertinente.

Néanmoins, si vous n’êtes pas du tout d’accord avec ce qui est dit, posez des questions plutôt que de réagir de façon épidermique. Si on vous dit :

« La, ton personnage était pas clair, du coup ça n’a pas pu démarrer comme il faut »

Plutôt que de partir sur du :

« Bah si mon routier communiste était super bien ! » ou pire « C’est Camille qu’a pas compris ! »

Faites :

« Ah ? C’était pas clair qu’il chantonnait l’internationale ? »

Déjà ça vous permettra d’aiguiser votre regard pour détecter de mieux en mieux là où vous devez vous améliorer. Ensuite ça permet à celui ou celle qui anime l’atelier de rebondir sur ce que vous dites, du genre :

« Alors oui, on a entendu qu’il fredonnait un truc mais il aurai fallu appuyer dessus, en faire plus, pourquoi pas faire ci ou ça ! »

Ce qui permet de créer un échange plutôt qu’une confrontation maitre élève et ça, c’est particulièrement précieux pour progresser.

Essayez d’être le plus positif possible et le plus dans l’acceptation possible. Et ça tombe bien, c’est une des bases de l’impro

Et quand on vous dit que c’est bien ce que vous faites, et bah remercier l’animateur-ice et surtout les collègues qui étaient sur scène avec vous, qui se sentiront valorisés et ça rendra les interactions avec eux plus agréables.

En représentation :

Alors soyons clairs, c’est rare qu’après une représentation (quel que soit le spectacle) on vienne vous dire que vous avez fait du mauvais travail. Celleux qui n’ont pas aimé le spectacle sont partis les premiers et vous y serez peu confronté.

Donc ceux qui viennent vous féliciter, remerciez les et profitez du moment, car après tout, c’est toujours agréable :).

Pourtant il arrivera, ponctuellement, que quelqu’un-e, qui s’y connait, ou pas, viendra vous faire part de ses déceptions ou du fait qu’iel n’a pas aimé le spectacle. Et à ceux-là, vous devez prêter une oreille attentive car faire l’effort de venir voir un comédien à la fin de son spectacle pour lui dire « écoute camarade, c’était bof bof tout ça » mérite qu’on fasse attention à ce qu’il ou elle a à dire.

C’est avec ses bases que vous allez pouvoir utiliser les critiques comme tremplin :

Les critiques comme clés de la progression

Déjà, les critiques récurrentes vont vous aider à identifier vos points faibles, et c’est sûr ça que vous devez vous appuyer pour progresser. Ce que je m’impose personnellement, c’est des défis réguliers.

Par exemple, j’ai longtemps eu un problème pour faire des personnages forts. Aussi je me suis imposé : « fais un perso fort par atelier, quel qu’il soit » et ça a fini par porter ses fruits et maintenant je suis plus à l’aise avec ça.

Pour tout vous dire, mon défi du moment est sur les animaux, je me force à en faire le plus possible. Au début c’est difficile mais on finit par apprécier faire ce qu’on n’osait pas tenter avant.

La « perfection » est une stagnation :

Méfiez vous comme la peste des critiques positives. Et oui, car à force d’être flatté, votre égo va commencer à se satisfaire et donc ne va plus chercher à progresser.

Lorsqu’on vous dit et répète que ce que vous faites est bien, prenez ça presque comme une insulte. Ayez la discipline de ne jamais être parfait mais d’être toujours meilleur. Vous devez être le plus exigent avec vous même. Déjà comme ça les critiques négatives ne vous atteindront pas, ou moins car elles ne seront pas à la cheville des critiques que vous allez vous adresser.

Simplement, dites vous que si vous êtes toujours bon, c’est que vous êtes dans une zone de confort et que donc il est temps d’aller chercher quelque chose d’autre, d’explorer une nouvelle facette de jeu, de vous ouvrir à toute expérience.

Car en effet, vous savez que vous êtes bon-ne sur vos bases et que c’est sur ce socle que vous pourrez élargir vos compétences.

Tout ça, grâce à la façon dont vous gérez les critiques C’est-y-pas beau ?

Comment faire de bonnes critiques ?

Pour finir, je parlerai donc du stade final, une fois qu’on a parfaitement appris à encaisser les critiques, il est temps d’en faire.

C’est important d’avoir d’abord fait ce travail car ainsi vous serez plus légitime et plus à même d’être pertinent, car vous serez le premier sujet de vos critiques.

Une fois ce travail fait, quand vous vous permettrez de critiquer le travail de quelqu’un gardez en tête deux choses : sincérité et bienveillance.

Sincérité, d’abord comme on l’a vu plus tôt, car toute critique est subjective et vous devez avoir conscience de ne faire que partager votre ressenti. Ensuite parce que pour le-a comédien-ne ce serait terrible que de lui dire qu’elle fait du bon travail alors que ce n’est pas ce que vous pensez.

Bienveillance ensuite car partez du principe que l’improvisateur-ice a fait de son mieux et qu’iel a une vrai volonté de s’améliorer. Si vous prenez ça en compte et que vous êtes bienveillant avec la personne et ses propositions pendant la représentation, elle recevra les critiques bien mieux.

Conclusion :

Que retenir de tout ça ? Que les critiques font partie intégrante des arts de la scène et par extension de l’improvisation. Que loin d’être un élément négatif et à charge, elles vous permettent de progresser, et enfin qu’avant de critiquer (en bien ou mal) le travail d’un autre, vous devez avoir fait un gros boulot d’autocritique pour être pertinent.

Voilà : N’hésitez pas à partager avec moi dans les commentaires vos avis sur la question et à ME CONTACTER pour qu’on en parle en vrai

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Un contexte favorable :

C’était au cours de ma troisième année d’impro, dans une période de l’apprentissage qu’on appelle le plateau. En gros lorsqu’on est apprenant on passe par 4 grandes phases (à mon sens) : celle de la découverte qui est celle de la galère du début, surchargés d’informations, on a beaucoup d’enthousiasme mais peu de savoirs. Puis il y a la phase ascendante où l’on monte en compétence rapidement, suivie par un plateau où l’on a l’impression de stagner, puis une nouvelle phase ascendante où l’on se transcende.

La phase de plateau est très frustrante ! On sent qu’on n’est plus débutant mais on n’arrive pas à progresser vers le niveau supérieur où évoluent les gens qu’on admire. C’est souvent là que se fait l’abandon et où il faut savoir persévérer.

Bloqué dans cette phase là depuis un moment, je commençais à me décourager de progresser, ce qui est normal dans le parcours de n’importe quel apprenant, mais quand on le vit, on peut se sentir mal… Autant vous dire que j’étais ouvert à toute solution pour me relancer !

De plus, notre troupe avait enchaîné des prestations moyennes et tout le monde était à l’affût de quelque chose qui remettrait le groupe sur de bons rails.

Une phrase, un déclic :

Mais un jour, l’animatrice de l’atelier arrive, pose son matériel et nous dit : « J’ai trouvé ce qui ne va pas, c’est très simple et on va travailler dessus ». Je n’ai pas utilisé le terme « animatrice » pour rien, car elle exerçait ce travail régulièrement, dans des colonies de vacances ou autre. Elle avait donc une approche un peu ludique de l’impro et c’est pour ça qu’elle nous a dit :

« Il faut que vous retrouviez le plaisir de vous amuser ! Alors AMUSEZ VOUS ! »

Alors oui, c’est l’évidence, oui ça parait simple, oui ça parait basique. Sauf que dans ma situation et pour une partie de la troupe, nous étions tombé dans un piège classique : la sur-intellectualisation du jeu. Nous nous regardions trop, nous étions trop dans la technique et dans la réflexion. À en oublier le simple plaisir de jouer.

Et là ce fut le déclic. Mais bien sûr ! C’est ça la clé ! Quand je vois mes modèles, ils s’éclatent sur scène, c’est ça la différence entre eux et moi !

Vraiment ce fut ce que les anglo-saxons appellent une « epiphany« , une révélation. Du coup j’étais armé comme jamais pour le match qui arrivait, gonflé à bloc d’énergie positive et débordant de fun à partager.

Un match, une confirmation :

Direction en suivant vers la prochaine date de la troupe, une invitation auprès d’une troupe étudiante, format 4v4 dans leur amphithéâtre. Troupe très jeune avec un public un peu réduit mais une super bonne volonté et une grosse dose de fun à partager.

C’est un match où j’ai ouvert les vannes à fond, avec un lâché prise que j’ai rarement expérimenté. Épaulé par mon équipe qui était dans la même énergie et l’autre groupe qui était aussi dans un excellent état d’esprit, cela a donné une synergie et une communion comme j’en ai rarement ressentie.

Je n’étais pas dans le public, je ne sais pas si c’était le meilleur match du monde, mais il y avait une force émotionnelle très importante ça, c’est sûr. Toutes les impros n’étaient pas humoristiques, notamment ce huis clos de 9′ ultra sérieux, mais avec du fun (on en parlera un jour de comment s’amuser dans le sérieux ). C’est l’un des deux ou trois matchs qui m’a beaucoup marqué et dont j’ai un souvenir très clair (à l’occasion je vous raconterai les autres ).

Ce fut aussi le match de ma première étoile ! Eh oui, 3 ans avant de voir cette « récompense », probablement parce que j’avais un jeu trop emprunté, trop technique et sérieux. Mais depuis j’ai su me rattraper !

L’idée à retenir de tout ça, c’est qu’en revenant à des principes simples, à la base de l’impro comme l’amusement, on peut sérieusement progresser et sortir de ce plateau qui est très irritant

N’hésitez pas à partager vos expériences, les moments qui on fait de vous un-e meilleur-e improvisateur-ice ou qui vous ont donné envie de vous lancer !

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Sois prudent-e avec le maquillage !

Sur scène, et on va en reparler, l’un de tes pires ennemis sera celui qui te mettra le plus en valeur : les projecteurs (ou projos pour les intimes). Il va faire chaud, tu vas transpirer, beaucoup. Surtout que tu vas t’engager physiquement.

Sois donc très attentif à la qualité du maquillage et la façon de l’appliquer. Sinon ça risque d’être la catastrophe en mode panda au bout de 3 minutes. Il existe des maquillages adaptés à cet exercice ou simplement des marques reconnues pour leur résistance.

Je n’en connais pas personnellement, donc n’hésitez pas à mettre vos recommandations dans les commentaires !

« À la sueur de mon front ! »

Comme dit juste avant, il va faire chaud sur scène, surtout si tu es vêtu du chandail traditionnel de match d’impro. Prévus pour patiner sur la glace, on ne peut pas dire que c’est un vêtement très frais ! De même si pour un Catch tu es lourdement déguisé.

Aussi, pour ne pas finir en piscine de sueur, quelques conseils :

• Évite le coton, c’est doux et hypoallergénique mais ça retient énormément la sueur ! Privilégie les textiles de sport qu’on trouve chez n’importe quelle enseigne, pour pas très cher en général. Idéalement à porter sous le chandail ou le déguisement. Idem pour le pantalon noir
• Bois de l’eau ! Beaucoup ! Déjà pour te protéger la voix, ensuite pour te réhydrater, pour pas mourir.
• Enfin sois prudent-e lors des mi/tiers-temps car en redescendant en température parce que c’est la pause, la remontée peut être rude! Et ne parlons pas de sortir a l’extérieur avec un T-shirt en coton tout suant !

« À l’aise Breizh »

Non je ne suis pas breton désolé

Je souhaite juste te prévenir de faire bien attention à ce que tu va porter, au-delà de ce que j’ai évoqué juste avant. Notamment sur l’aisance qu’il te faut, pour sauter, danser, jouer, pour ça il ne faut pas venir en Jeans / Richelieu. Prends des vêtements qui t’assureront d’être à même de ramper sans se déchirer, ou du moins pour lesquels ça ne sera pas grave.

Les talons sont aussi à proscrire pour des raisons évidentes tout comme ta chemise extra slim. Enfin je souligne que, notamment le match d’impro, est inspiré du sport. Or personne ne ferait une partie de foot en jeans slim et sneakers créateur à 200€

« Gare au cateriiiiing »

Je n’ai pas non plus de moustache ou de guitare

En revanche je te recommande, lors du catering, d’y aller doucement. Que ça soit sur la nourriture ou l’alcool mieux vaut ne pas arriver sur scène en roulant, l’estomac plein (Dédicace aux caterings de cette troupe Bordelaise et ses triples lasagnes ). Tu sera forcément plus lourd, plus lent et moins réactif, voire même un peu endormi !

Je te dirais donc de rester frugal dans un premier temps, mais de t’amuser une fois le spectacle fini pour reconstituer tes forces !

Voilà pour ces quelques astuces ! Si vous voulez ON EN PARLE ?

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Alors ce type de joueur là … C’est assez compliqué. C’est celui ou celle qui fera des blagues de cul, des sous entendus bien lourds. Qui amènera chacune de ses interventions (et donc chaque impro) sous la ceinture. Ça marche aussi avec le personnage qui va systématiquement draguer un autre. Pas de bol, le public aime ça et rigole à ces blagues moisies.

Mais ne vous en faites pas, ça ne marche qu’un moment, le public n’est pas dupe longtemps

Petit plus : Pour le contrer, mettez lui le nez dans son ridicule et ne vous laissez pas embarquer !

2 – Le-a Pressé-e

C’est celui ou celle qu’on arrive pas à savoir s’il a du talent ou pas. On n’a pas le temps de remarquer sa présence sur la patoche qu’il ou elle est déjà reparti-e ! Peut être par stress ou par timidité, dur de se faire une opinion ! Pourtant on aimerai faire des choses ensemble et vivre une belle aventure, sauf qu’à peine arrivé-e, déjà reparti-e en coulisses.

Petit plus : Si vous repérez un-e joueur-euse comme ça, n’hésitez pas à le piéger ou l’appeler pour qu’il reste sur scène ! Un bon moyen de sortir de sa zone de confort

3 – Drama King – Queen

Ici, plus question de rigoler. L’improvisateur-ice n’a que faire de la blague et du pouët-pouët, mais veut vivre et faire vivre des émotions fortes, des drames humains et le désespoir d’une vie cruelle et froide. Ambiance film français, drame social et psychologique quoi … En général c’est celui ou celle qui fera vivre au public les émotions les plus fortes, mais il ne vous fera pas passer un moment joyeux (sortez les mouchoirs). Il s’agit souvent d’un comédien-ne avec une certaine expérience et qui veut explorer d’autres champs que le rire en impro.

Le petit plus: Laissez vous porter par un-e joueur-se comme ça, sans lâcher vos idées et vous verrez la magie opérer

4 – Le-a Maçon-ne :

Peut être mon type d’improvisateur-ice préféré. Vous ne le verrez que rarement obtenir des étoiles, ou alors pas la première, à moins que le donneur d’étoiles soit un-e improvisateur-ice confirmé-e. Car en effet, c’est un-e joueur-euse qui va travailler sur le fond de l’impro, va la tenir à bout de bras.

C’est le-a serviteur ultime, toujours au service de l’impro et des autres, grace à lui/elle l’impro ne s’égare pas car les bases sont là et il/elle fait garde-fou à tout égarement. Ne cherchant jamais la lumière, préférant l’ombre des camarades, c’est LE joueur que vous devez repérer pour comprendre l’impro.

Le ptit plus : Faites lui des câlins, franchement, il ou elle le mérite !

5 – Le timide talentueux :

Un-e autre qu’on ne voit pas souvent. Généralement c’est celui ou celle qui est tendu-e sur le banc, qui a bouffé nerveusement toutes les chips au catering, bref qui est indimidé-e par la scène. Pourtant lorsqu’il/elle monte sur scène, il/elle la dévore, on ne voit que ses personnages et ses histoires.

Ce qui peut être surprenant c’est que le-a joueur-euse peut même rougir sur scène mais tenir sa situation parfaitement. En général un-e débutant-e, mais une graine de grand talent !

Le petit plus : Faites lui des câlins aussi ! Et soyez bienveillants

6 – Le-a cabotin-e :

Comment ne pas en parler ? C’est le-a joueur-euse qui capte la lumière, qui fait les bonnes blagues au bon timing. C’est aussi la personne qui monte tout le temps, qui gagne des points en match (ou format compétitif). Pas toujours facile à jouer car très egocentré, mais s’il est bien canalisé, ça peut être le gage d’une excellente improvisation !

Souvent première étoile parce que justement c’est lui/elle qui a fait le plus rire le public (sauf si comme dans le N°4, c’est un improvisateur qui note), c’est souvent la « star » d’une équipe pour sa capacité à gagner des points.

Le petit plus : C’est un-e joueur-euse qu’il faut savoir dompter mais qui peut vous amener dans des univers que vous n’aurez pas imaginé. Si vous débutez, faites attention à ne pas vous faire bouffer par cette forte personnalité mais ça peut être un excellent tremplin.

Pour finir, je dirai simplement que ce ne sont pas des cases figées, que chaque joueur navigue entre chaque catégorie selon l’évolution de sa « carrière » voire même au sein d’un même spectacle. Disons plutôt que c’est un spectre de compétences (comme dans Fifa quoi !) et qu’on se positionne dessus de façon dynamique.

Et vous, quels profils ajouteriez vous ? Et lequel vous plaît le plus ?

L’article 6 types de joueur-euses qu’on a forcément croisé en impro : est apparu en premier sur Impropulse.

Être à l’écoute :

Base parmi les bases, mais comme on dit « Ce qui va sans dire, va mieux en le disant ». L’écoute de ce qui se joue autour de vous est l’élément capital pour rester pertinent et efficace dans votre jeu. Vous serez plus à l’aise en comprenant bien et saisissant tout ce qui se dit autour de vous. Je dirai même plus, ne vous focalisez pas, mieux vaut savoir un peu sur tout que d’être trop centré sur une intrigue.

J’élargirais même le concept d’écoute à votre vie en dehors de l’impro. Maintenant que vous êtes improvisateur, vous DEVEZ rester à l’écoute de votre environnement. Vous y trouverez un puits sans fin d’inspirations, de personnages, de situation improbables et passionnantes. Ces choses là doivent vous nourrir pour devenir un joueur toujours plus innovant !

S’amuser :

*s’éclaircit la voix* ARRÊTEZ DE RÉFLÉCHIR ! C’est quand même la base qu’on oublie assez rapidement Replongez vous dans vos souvenirs du début de l’impro, de vos premiers contacts avec les improvisateurs. Ce qui frappe souvent, c’est le côté « fun », les improvisateurs s’amusent. Ou plutôt : on retient ceux qui s’amusent le plus, les autres, on a tendance à ne pas les remarquer.

(Re)trouver ce plaisir simple de s’amuser est primordial, et, regardez les enfants autour de vous, en gros avant 10 ans, vous verrez : ils ne réfléchissent pas avant d’agir. Ils font ce qu’ils ont envie de faire, car la société dans laquelle nous évoluons n’a pas encore eu le temps de les mettre dans des carcans d’overthinking. Mon conseil est donc de tendre vers cette simplicité, allez vers votre première intention, ne tergiversez pas, foncez. Et vous verrez, rapidement, vos caucus vont réduire comme peau de chagrin

Être bienveillant :

C’est surtout vrai quand vous êtes face à des débutants ou que vous êtes débutant vous même. Cela concerne principalement les cas de formats compétitifs type « match », « catch » ou autre. Rappelez vous que vous n’êtes la que pour JOUER A UNE COMPÉTITION, non pas jouer LA compétition. L’important pour vous et pour le public est de vivre un beau moment de spectacle.

Rappelez vous donc que vous et les autres joueurs êtes là pour passer un bon moment et jouer ensemble. Détendez vous donc et amusez vous ! Prenez le pli à chaque impro, chaque rencontre de prendre ce que vous propose l’autre et de vous en amuser au mieux !

S’investir :

Le public est intelligent, il voit si vous n’êtes pas un personnage mais bien vous même. Cela a pour effet immédiat de le sortir de l’histoire que vous racontez. Vous même allez être en dehors de votre histoire et si vous n’y croyez pas, vous passerez un mauvais moment.

Du coup il est capital que chaque fois que vous montez sur scène vous soyez immédiatement dans votre personnage, dans l’instant et dans la disponibilité. Si vous êtes suffisamment dans votre personnage vous n’aurez même plus à vous poser la question de la réaction à avoir et même si vous êtes complètement dedans, lorsque vous reviendrez sur le banc, vous ne saurez même plus vraiment ce qui s’est passé tellement vous serez investi.

En étant à ce point à fond, le public le verra, le sentira et vous suivra dans vos histoires si rocambolesques et fantasques soit-elles.

Percuter :

Principalement quand vous faites des formats très punchy, type catch ou impro courtes. Mais c’est aussi le cas dans les autres formats. Lorsque vous entrez en jeu, vous devez avoir une proposition FORTE ET CLAIRE. Aucune ambiguïté et quelque chose à apporter sont les clés d’une belle entrée et permettent de faire progresser l’histoire. Sans oublier d’écouter clairement ce qui se dit sur scène pour inscrire son entrée percutante dans l’histoire qui se joue.

Clairement, mieux vaut ne pas entrer sans une idée claire que de rentrer et de n’être ni clair ni sûr. C’est pour éviter cela qu’il faut se mettre en situation d’écoute et de disponibilité maximale pour pouvoir saisir la première intention qui vient pour être le plus efficace possible.

Ainsi vous serez toujours en mesure de surprendre le public et de vous renouveler. Imaginez le plaisir d’être vous même surpris par le terrain sur lequel vous allez !

Pour explorer ces astuces au mieux et les mettre en pratique, n’hésitez pas à ME CONTACTER !

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