Pourquoi n’ose-t-on pas être précis ? 

Je vois deux raisons principales : la peur d’être rude et l’envie de poser une peau de banane. 

La question de la rudesse est une fausse question. En effet, par peur d’imposer un choix et car on suppose que l’autre a une meilleure idée, on se retient de proposer quelque chose de fort ou de spécifique. Quand les deux participant-e-s à la scène font ça et bien on fait du sur place. Et c’est dommage ! 

Alors soyons clairs : VOUS NE SEREZ JAMAIS RUDE en proposant votre idée. Nb : il n’est pas question d’imposer tout à l’autre, juste d’assumer ses idées. Si l’autre est dans un bon état d’esprit, l’idée sera prise, intégrée et traitée dans l’impro. 

La question de la peau de banane est un peu plus technique. En effet, lorsqu’on avance dans sa pratique de l’impro, on apprend à être malicieux-se, à se mettre des pièges et de peaux de banane pour embêter ses partenaires. C’est ce qui fait le sel de l’impro ! Or une bonne peau de banane est justement très specifique ! Par exemple (vécu par l’auteur de ce texte alors qu’il était dans sa première année d’impro) 

Premieres secondes de l’impro, A (semblant tenir un grand bocal) : « Henri, voilà il fallait que je te le dise, depuis 3 ans que nous sommes en coloc je récolte ta cire de nombril quand tu dors et je la stocke dans ce bocal, maintenant il te revient » 

B (moi) : … *Bruits de cerveau en panique*

Cette proposition est EXTREMEMENT spécifique en effet, elle pose tout. Je pense que mon partenaire l’a faite car il a senti qu’en tant que débutant j’avais du mal à faire des propositions fortes. Pourtant ça nous a lancé sur une super impro ! 

Maintenant imaginez plutôt la scène ainsi : 

A : « Tiens voici un bocal, alors t’es content ? »

Cette proposition, au final, ne propose rien ! Elle force B à assumer toute la construction, car la proposition de A est très faible. C’est une façon pour A de dire « Débrouille toi ! J’ai pas envie de faire d’efforts ». Pire, cela risque de se retourner contre vous si votre partenaire à de la bouteille il va vous balader, exemple dans le paragraphe suivant ! 

Comment s’en sortir ? 

Deux situations sont possibles, soit vous faites une proposition soit vous la recevez :

• Emetteur-trice : Vous avez fait une proposition et vous vous rendez compte après coup qu’elle est faiblarde. Vous pouvez vous en sortir si l’autre n’a pas immédiatement surrenchéri en complétant votre proposition. Ex : 

A : « Tiens voici un bocal, alors t’es content ? « 

B : « Ah, euh merci, c’est quoi ? « 

A : Henri, voilà il fallait que je te le dise, depuis 3 ans que nous sommes en coloc je récolte ta cire de nombril quand tu dors et je la stocke dans ce bocal, maintenant il te revient » 

Si votre partenaire est expérimenté en revanche, il risque de profiter de votre proposition faible pour se jeter dans la brèche et vous mettre dans la panade. Ex : 

A : « Tiens voici un bocal, alors t’es content ? 

B : « Ah, merci, tu sais, depuis 3 ans que nous sommes en coloc je récolte ta cire de nombril quand tu dors et je la stocke dans ce bocal, et je l’avais égaré ! » 

• Si vous recevez une proposition faible et non-spécifique, et bien comme vu précédemment, jetez vous dedans, assumez et soyez hyper précis ! Faites en des caisses et emmenez l’impro vers quelque chose de fort. Prenez votre temps et vous prendrez la main. Votre partenaire ne peut pas faire grand chose vu que c’est à vous de régir. Ex :

A : Cette lettre est arrivée, tiens ! 

B *prend l’enveloppe et fait mime de la déplier plusieurs fois pendant plusieurs secondes, faisant grandir la lettre jusqu’a ce qu’elle soit immense* : « Incroyable, la carte perdue du trésor de Schlipak que papi avait enterré dans la Montagne Perdue, il y a même le chemin pour y aller ! Camille nous pouvons redorer l’honneur de la famille, prend ton sac, on y va ! » 

Conclusion : assumez vos idées et soyez spécifiques ! 

Vous l’avez compris, plus vous serez spécifiques, plus vous assumerez d’avoir des idées, mêmes bizarres, même farfelues, plus vos improvisations y gagneront. En plus, si vos partenaires sont bien entraînés, il sauront réagir au mieux et se laisser surprendre pour aller là ou ils ne s’attendaient pas à être. 

C’est aussi un bon moyen d’être à l’écoute de l’autre. Il vous a proposé une lettre ? Acceptez qu’il vous l’ait proposée. Mais son contenu, c’est votre responsabilité de l’assumer ! L’autre n’aura de toute façon pas d’autre choix que d’aller avec vous dans la direction que vous avez posée ! 

Bien sûr, tout est question de dosage et d’habitude. Cependant je vous invite fortement à essayer et à tester pour voir ou ça peut vous emmener, je suis sûr que vous sentirez la différence ! 

Guillaume COEYMANS

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Clé N°1 : Toi Moi Maintenant (La Plateforme)

C’est le point de départ de l’impro, ce qui va lancer la scène. Si vous répondez correctement à ces questions vous éviterez l’essentiel des écueils de l’improvisation. 

Répondez à ces trois questions et votre plateforme sera blindée ! 

• Toi ? Qui est l’autre pour vous. Pas besoin de détails biographiques précis (du genre « C’est Marcel, mon père qui est parti dans sa Volvo rouge en 1963 pour acheter du lait et que je n’ai plus revu depuis »). Mais plutôt « Que m’inspire sa présence ? ». Suis-je heureux d’être avec cette personne ? Ai-je du vécu avec l’autre ? Quel est mon status ? 
• Moi ? Qui je suis. En termes physique, émotionnel, de status, et même géographique. C’est à dire « Où je me place dans l’espace pour exprimer ce que je suis ». Comment je vais réagir dans la situation qui est la nôtre ? 
• Maintenant ? Oui, vous met le fameux QQOQCCP  c’est peut être trop en faire mais l’idée est là. Que fait-on ici ? Pourquoi sommes nous là ? Comment on y est arrivés ? Depuis combien de temps, etc. 
  • Conseil de pro : L’objectif n’est pas de cocher toutes les cases mais de se donner de bonnes bases pour enchaîner. N’hésitez pas à être SPÉCIFIQUES ! Assumer des choix précis rendra votre construction de scène naturelle et stable ! 

Une fois ces éléments posés vous êtes parés pour la deuxième clé ! 

Clé N°2 : Là ou tout Bascule ! 

C’est un point charnière d’une scène d’improvisation. La plateforme est  posée, les personnages sont définis et la situation initiale est claire. Il est donc temps de tout chambouler ! Faites basculer la situation dans l’inconnu. 

Pour simplifier, le moment de bascule est en deux phases  : 

• Le point de bascule : C’est un moment précis dans le temps ou quelque chose se passe qui rompt l’équilibre établi. Cela peut venir de l’extérieur (un personnage rentre pour annoncer une nouvelle choc) ou de l’intérieur de la scène ( l’un des personnage s’éloigne brusquement). Ce moment doit être  bref, très clair et surtout être vu, compris par tous. Les comédien-ne-s doivent y réagir intensément pour marquer le point de non-retour. 
• Les montagnes russes : Une fois la bascule actée, c’est parti pour les aventures ! Grâce à notre base solide et notre bascule claire, les enjeux sont limpides. Chaque péripétie voit nos personnages évoluer et grandir à chaque obstacle. 

Si votre bascule est claire, vos péripéties passionnantes et intenses, vient alors la fin de l’impro. Il est donc temps de passer au dernier point…

Clé N°3 : La situation finale (La Transformation)

Vos personnages viennent de vivre des aventures qui les ont changés, probablement à jamais. Car en impro on ne raconte que des histoires qui valent la peine d’être contées. 

Il n’y a qu’une seule règle dans cette situation finale : TRANSFORMEZ-VOUS.

Qu’est ce que j’entends par cela ? Tout simplement qu’il est  INTERDIT* de finir dans le même état qu’au début. Les péripéties vécues ont forcément changé vos personnages. Il peuvent s’être réconciliés, s’être éloigné, changé d’émotion, avoir pris des décisions majeures, etc. 

Imaginez un instant :

• A la fin du Seigneur des Anneaux, Frodon revienne pépouse chez lui comme si rien n’était ?
• Rose survit  au Titanic et reprend une vie ordinaire en oubliant Jack ?
• Ou encore que Luke Skywalker revienne à Tatooine tenir sa ferme hydroponique comme avant ?

Le public serait déçu ! Ne décevez pas votre audience. Faites de cette situation finale un vrai climax. 

Astuce Bonus : Si vous le pouvez, reprenez votre triangle Toi-Moi-Maintenant à la fin et comparez-le avec le début. Vous verrez, c’est la preuve  de votre progression.

Conclusion : Une Méthode Simple pour une Construction Robuste

Voilà pour ces clés ! Bien entendu on peut détailler beaucoup plus chaque étape mais ce n’est pas toujours pertinent ou faisable pour des raisons purement pratiques. Penser à ces 3 clés est une bonne façon d’appréhender la construction d’histoire simplement et facilement. Elle est très efficace en format d’improvisation court (Match, Cabaret, etc.). Nous verrons dans d’autres articles comment travailler spécifiquement chaque point pour apprendre et progresser ! 

Guillaume COEYMANS

*Oui je sais en impro on interdit rien, mais laissez moi celui-là   

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Ici on ne va parler que du « Titre » pour parler en termes de match d’impro. Le choix des catégories, durées, nombre de joueur et l’articulation du « barillet » ça sera pour une autre fois

La règle de base :

Quand vous allez écrire votre thème d’improvisation, il faut que vous ayez en tête qu’une fois que vous l’aurez énoncé, vous ne maîtrisez pas ce que les comédiens et comédiennes en font. Donc vous risquez d’être surpris-e ! 

C’est bien là toute la beauté de l’impro. Le piège serait donc de vouloir donner un thème très spécifique pour que les personnes sur scène vous donnent ce que vous voulez. Or ce n’est pas le but ! 

Ce que je conseille c’est d’avoir cette règle en tête lorsqu’on écrit un thème : 

 Lorsque j’écris un titre, je dois avoir au moins 2 idées différentes de ce que je ferais avec.

Par exemple si le titre qui me vient en tête est « Lanterne Rouge » j’ai déjà 2 idées bien distinctes qui me viennent en tête ; le sens littéral (une lanterne de couleur rouge, ou qui éclaire en rouge) et le sens de l’expression (être dernier-ère d’une course ou d’un concours). Avec ce thème j’ai au moins deux portes ouvertes pour les artistes afin de libérer la créativité ! Il y en a probablement plein d’autres auquel je n’ai pas pensé, les commentaires sont là pour que vous me fassiez part des vôtres ! 

Ce qu’il faut  éviter : 

Je vous liste ici quelques éléments que j’ai pu ressentir comme étant des mauvaises idées au fil de ma pratique. Ce ne sont pas des réalités absolues mais ça peut vous guider pour éviter qu’un thème fasse flop. 

• (Trop de) jeux de mots / blagues : Que vous soyez arbitre de match du MC d’un cabaret si c’est vos thèmes qui sont les stars et non les comédiens et comédiennes, c’est un peu dommage. Un calembour bon peut être intéressant de temps en temps (et ceux qui me connaissent savent à quel point j’aime ça) mais restez modéré. 
• Des titres pléonasmes : C’est à dire des titres redondants avec la catégorie. Par exemple « Le retour du cow boy » catégorie : à la manière d’un western. Je ne suis pas forcément opposé à donner une couleur ou une direction via le titre, gardez seulement en tête la règle que j’ai donnée plus tôt. Sur un Western on peut garder la même idée avec par exemple « Un retour inattendu », pas forcément le titre du siècle mais ça marche ! 
• Présenter vos thèmes sur un smartphone/tablette : C’est laid, j’ai besoin d’expliquer plus ? Faites vous de belles fiches c’est bien plus spectaculaire, littéralement 

Quelques conseils : 

En vrac, idem que précédemment, ce qui m’aide à écrire des titres d’impro : 

• Avoir un tableau / carnet sur soi :  physique ou sur votre téléphone, car souvent on croise une phrase, une situation, n’importe quoi et on se dit ‘ça ferait un chouette titre d’impro ! » et bien notez le, ça vous servira toujours un jour ! 
• Écrivez ce que vous aimeriez jouer : Cela donnera de la personnalité et de la conviction au spectacle. Si vous aimez ce que vous écrivez vous serez plus investi dans les impros, serez ravis de voir ce que les comédiens et comédiennes en font sur scène. J’ai même envie de vous dire que ça doit vous créer un petit FOMO . 
• N’ayez pas peur d’oser : Un mot un peu spécifique, une tournure improbable, etc. Tout cela donnera du sel aux histoires qui seront racontées. Soyez juste préparé-es à être surpris de l’intérprétation ! Si vous utilisez le mot « Zeugme » dans un thème et que personne ne sait ce que c’est, vous allez probablement inciter vos artistes à partir dans un endroit que vous n’attendiez pas ! 

Et vous, quels sont vos trucs pour écrire un bon thème ? Et qu’est-ce que vous appréciez dans les thèmes des autres ? 
Ah et n’oubliez pas de me suivre sur Instagram ! 

Et sinon il est toujours possible de me contacter ailleurs 

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Sur ce compte j’y partage des éléments de mon quotidien, des actions ou j’interviens, que ça soit des ateliers, des spectacles, etc. 

Vous y retrouverez les coulisses des évènements ou je participe en tant que comédien ou formateur et même en tant que public. J’y répond aux messages et aux commentaires. 

Avec le temps je vais essayer d’y développer aussi des formats spécifiques à Instagram,

Alors  fonce t’abonner ! 

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Pourquoi être trop est un problème en impro :

Dans beaucoup de spectacles d’improvisation, surtout sur des formats courts de type match ou cabaret, il arrive parfois que les scènes soient illisibles et semblent n’aller nulle part. A mon sens, l’une des raisons pour lesquelles ces improvisations se cassent la figure est que trop de personnages sont présents sur scène.

Du coup, on a du mal à suivre un personnage en particulier ou son histoire n’ira nulle part, simplement parce qu’on n’aura pas le temps de traiter chacun et chacune. Ainsi tant les enjeux que l’histoire se diluent entre les trop nombreux personnages.

Attention je parle bien de trop de « personnages ». Ce que j’entends par là est que cela concerne uniquement les rôles nommés et qui ont une importance dans l’histoire. Pas les passages, ni les services et encore moins les décors.

Si on suit l’histoire, sur 4 minutes, d’Anna et de Momo mais qu’à deux minutes débarquent la belle mère et le père, il y a de grandes chances pour qu’on ne comprenne plus trop ce qu’il se passe. On va se demander si on suit l’histoire de la belle-mère, celle de Momo ou d’un-e autre ?

Cela se produit souvent car celles et ceux qui veulent rentrer ont tendance à se dire « oui mais il faut que quelque chose se passe ! » et essayent de « sauver » l’impro, ce qui est en général une mauvaise idée. Faites confiances aux camarades en jeu, ils vont s’en sortir !

Voilà mon astuce :

Pour éviter ce problème, je vous donne une petite règle, disons un proverbe. Ce n’est pas un absolu mais c’est un bon point à avoir en tête dans le cas général. Bien sûr, ça peut changer en fonction des contraintes de l’arbitre, du MC, etc.

Pas plus en scène que de minutes de jeu 

Si votre impro fait 3 minutes, essayez de ne pas être plus de 3 en jeu (tout compris, vous et l’équipe d’en face si vous faites du match)  au risque de rendre la situation confuse.

A partir de 4 minutes vous pouvez commencer à envisager des bascules, des personnages secondaires, etc. mais ça sera le sujet d’un autre article !

Bonus : Posez-vous CETTE question :

En général en improvisation il est salutaire de se poser cette question rapidement (idéalement dans le premier quart de la scène) :

C’est l’histoire de qui ?

Si la réponse n’est pas claire, vous pouvez faire une (très) courte intervention pour clarifier la situation, ou laisser les camarades faire leurs choix avant d’intervenir.

Une fois que la situation est limpide, qu’on sait qu’on va suivre l’histoire de la belle-mère et de Momo, là on peut rentrer car on saura ne pas « prendre la vedette » à ces deux personnages dont on raconte l’histoire.

Vous voilà donc parfaitement armé pour éviter le plus possible la cacophonie en impro !

Bien sûr ce n’est pas magique et des situations pourries peuvent quand même se présenter, mais en gardant ces deux tips (pas plus en jeu que de minutes et « de qui c’est l’histoire ») en tête vous limiterez grandement les risques. Parfois cela veut dire aussi qu’il ne faut pas rentrer mais je pense que le bon comédien sait quand rentrer, l’excellent sait quand ne pas le faire !

Si vous voulez aller plus loin n’hésitez pas à ME CONTACTER ou à laisser un commentaire !

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Les fedbacks après l’impro :

C’est le cas le plus courant et à mon sens le plus simple à gérer : une fois l’exercice passé, vous allez commenter ce qui vient de se passer dans l’idée de donner aux élèves les meilleures billes pour s’améliorer.

Je vous donne 3 astuces pour que ce feedback soit pertinent :

• Soyez en cohérence : Si vous avez lu mon article sur la construction d’atelier, vous avez déjà déterminé ce que vos élèves doivent retenir : le take home message. Votre commentaire doit être lié à cette thématique. Par exemple, vous animez autour de l’écoute et sur une séquence vous pouvez commenter tant sur l’écoute que, imaginons, sur la corporalité d’un-e comédien-ne. Privilégier votre commentaire sur l’écoute pour ne pas mélanger vos messages, on verra la corporalité plus tard ! Sauf bien sûr si quelque chose d’évident et de facile à corriger apparaît. 
• Moins c’est plus :  A chaud, après une scène, concentrez-vous sur 1 élément précis et soyez concis. Les grandes phrases et les circonvolutions vont noyer votre message (restez bienveillant-e-s bien sûr).
• Ne soyez pas dans une tour d’ivoire : Quand vous faites votre commentaire, gardez bien en tête que vous ne donnez que votre avis à un instant T. Précisez-le au début de l’atelier et rappelez que vous n’avez pas la science infuse. Une bonne méthode est de faire participer le public pour voir s’il partage votre point de vue et si d’autres avis pertinent peuvent se joindre (ou s’écarter) du vôtre.

Story time : dans la troupe où j’évolue, nous avons une tradition importante de retours, feedbacks et débriefs des impros. Tout le monde participe quelles que soient l’expérience et l’ancienneté de chacun. Nous avons ainsi toujours plein de visions différentes et parfois contradictoires, ce qui nous permet d’avancer !

Quelques phrases type de feedbacks de ce type  :

Élève : « Mince je crois que j’aurai dû plutôt dire ça »

Formateur : « Oui, mais ce qu’on travaille aujourd’hui ce sont les mimes d’objet et là quand tu as tenu le stylo, c’était bien parce qu’on a vu que …. »

Formateur : « Quand tu joues l’ogre là, personnellement je ne l’ai pas vu, j’ai juste vu toi avec une grosse voix. * se tourne vers le public * Vous l’avez ressenti comme moi ? Qu’est-ce qu’on aurait pu faire pour que son ogre soit plus ogresque ? « 

Formateur : « C’était très bien rien à dire ! Bon pour ton écoute on en reparle à l’atelier de la semaine prochaine, mais là c’était très bien, bravo !

Les feedbacks en cours d’impro :

Alors là c’est bien plus risqué. Il s’agit de potentiellement interrompre une impro en cours de route pour essayer de l’orienter dans une direction ou corriger un élément.

Quand je dis que c’est plus risqué, c’est que de fait, vous allez déstabiliser les comédiens et comédiennes sur scène, qui sont peut-être à fond dans leur moment et bien dans le flux.

Pourtant je trouve ces feedbacks ultra efficaces pour amener des élèves dans une direction dans laquelle iels ne seraient jamais allé-e-s spontanément. Ainsi vous pouvez les amener à débloquer des compétences et à prendre conscience de certaines habitudes bien ancrées.

Alors comment faire ça bien ? Comme d’hab, 3 points clés !

• Préparez le terrain : Encore plus que d’habitude, au début de l’atelier expliquez que vous allez les interrompre pour leur donner des éléments ou des indications à suivre. Que ces indications sont votre lecture à un moment donné et qu’elle peut être mauvaise, mais que vous pensez que ça peut être utile car vous êtes à l’extérieur de l’impro et vous avez une vision plus globale. Ouvrez-vous à la critique et soyez prêt-e-s à ce que certain-e-s participant-e-s soient déstabilisé-e-s voire agacé-e-s par vos interruptions. 
• Soyez brefs mais prenez le temps : Lorsque que vous souhaitez faire une intervention, faites le dès que vous sentez que c’est le moment et gardez l’intervention la plus courte possible. Par exemple « Non, là tu lui dis que ce qui compte c’est que vous soyez ensemble« . Cependant, car on peut être pris dans l’action, on est parfois mal compris-e dans ce cas : mettez le chrono en pause (s’il y en a un) et prenez le temps d’expliquer votre choix. Par exemple « Attends pause, là ce que je ressens c’est que ton personnage n’ose pas se lancer dans le moment sentimental, du coup tu mets des freins. Je te propose plutôt de lui dire que ce qui compte c’est que vous soyez ensemble, on va voir ce qu’elle va te répondre! C’est plus clair ? Ok super, reprenez! « .
• Prenez encore plus de temps pour débriefer : Après la scène, comme vu précédemment, vous pouvez prendre le temps de revenir sur vos interventions, sur pourquoi vous les avez faites et sur comment les personnes sur scène l’ont ressenti. Plus vous serez dans l’échange, plus votre coaching s’affûtera et vos retours seront efficaces. Mieux, ils seront mieux acceptés et compris car vous prendrez le temps de dialoguer avec le groupe.

Au final, dialoguez avec votre groupe et soyez prêt à parfois vous planter. L’exercice en vaut la peine : il n’est pas simple mais est très utile pour faire progresser tout le monde, tant les élèves que les coachs.

Pour conclure je pense sincèrement que les feedbacks sont excellents, quels que soient leur type, la personne qui les donne, etc. Cet échange est fondamental pour progresser et faire progresser les comédiens et comédiennes. Ainsi, ils limitent les mauvaise habitudes, boostent la confiance du groupe car nous n’avons pas peur de se dire les choses.

Dans tous les cas, faites-vous des retours ! Je dirais même plus, faites-m’en dans les commentaires juste en dessous ou contactez moi pour en parler

L’article Comment faire des bons retours (feedbacks) en impro ? est apparu en premier sur Impropulse.

C’est quoi cette phrase ? 

Je vais continuer à vous teaser un peu  

A votre avis, quelle est cette phrase prononcée en début d’impro (ou pendant celle-ci), qu’on retrouve assez couramment dans la vraie vie et qui est un vrai tue-l’impro ? 

Je suis sûr que vous la connaissez, et que sur scène vous l’avez déjà laissé échapper :  

« Je m’en fous ! »

signé Un improvisateur inconséquent

(et ses variantes : « j’en ai rien a foutre », « ça ne m’intéresse pas », etc… ) 

Si vous avez déjà compris le problème, vous pouvez vous arrêter ici Mais n’oubliez pas de partager l’article auprès de vos camarades d’impro ! 

Si vous voulez aller plus loin, la suite juste en dessous : 

Qu’est ce qui ne va pas avec ça ? 

En impro, tout compte. Le public voit tout, entend tout. 

Alors quand on dit « je m’en fous » on va à l’encontre de la règle de base d’écoute et d’acceptation. Vous dites à l’autre que sa proposition est inintéressante voire insignifiante. 

Avouez c’est pas top. 

Alors pourquoi on dit ça ? Je vois 3 raisons : 

• On a peur d’être soi même ignoré, alors on force l’autre à se raccrocher à nous. Vu que sa proposition est insignifiante, l’autre n’a d’autre choix que de proposer autre chose en rapport avec notre je-m’en-foutisme 
• On veut jouer un personnage blasé. Ne faites pas ça 
• On cherche le conflit. Ne faites pas ça.

Mais on peut quand même dire cette phrase en impro ! 

Sacré retournement de situation n’est-ce pas ? 

Notre personnage peut dire qu’il n’en a « rien à foutre » mais ça doit être amené avec intelligence. Tout comme un conflit, vous devez construire sur la durée (oui même si vous n’avez que 2′) votre absence de foutre à avoir. 

Si votre personnage commence comme quelqu’un d’attentif, soucieux des autres et de leur bien être, peut-être même un peu mièvre mais qu’au cours de l’impro, suite à ce qui lui arrive, vit une évolution qui culmine à quelques secondes de la fin sur un retentissant « Maintenant, j’en n’ai plus rien à faire ! », ce sera très puissant ! 

Si vous n’en avez rien à faire, on veut savoir pourquoi. Qu’est ce qui vous a amené à être aigri au point que les autres ne vous font plus rien ? C’est ça qui est intéressant. 

Bonus : Comment réagir quand l’autre n’en a rien à faire de nous ? 

Et oui parce que si vous avez bien suivi ce que je vous ai proposé et que vous devenez un expert du j’men-foutisme intelligent, il peut arriver que ça ne soit pas le cas de votre partenaire. 

Aussi si on vous sort cash une telle réplique sortie de nulle part, je vous propose une solution simple. Acceptez, proposez. On en revient toujours là !

Par exemple : 

A : « Seigneur, les paysans arrivent pour nous faire la peau ! » 

B : « Je m’en fiche ! » 

A : « Ah, mon seigneur, aujourd’hui vous vous en fichez, mais je me rappelle du temps où mon bon Seigneur se préoccupait de ses gens, était soucieux que son royaume se porte bien… Vous avez changé depuis que votre épouse nous a quitté ! » 

A lance un flashback 

C’est un exemple mais voyez comment on peut retourner la situation à votre avantage. Là où B pensait vous déstabiliser, il se retrouve embarqué dans votre histoire et amené à lâcher son attitude délétère. Notez que A n’a pas lâché son idée ! Seulement adapté celle-ci. 

B aurait pu aussi commencer à être beaucoup plus en empathie et, imaginons, face à la violence ou la méchanceté des paysans aurait fini par se détacher d’eux et là, il aurait pu finir l’histoire sur son désintérêt pour les autres. Nous aurions eu alors une belle évolution de personnage et une conclusion forte. D’autant plus s’il a vécu des choses avec A qui lui devient triste (par exemple) de voir son maître s’enfoncer dans la méchanceté. 

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Pourquoi on s’engueule dans nos impros ?

Vous voyez bien de quoi je veux parler, deux personnages qui ne savent pas trop quoi faire vont commencer à trouver un conflit autour duquel ils vont passer beaucoup (trop) de temps avant de (parfois) le résoudre.

C’est un schéma très classique qui a quelque chose de rassurant. Un conflit est un enjeu facile à mettre en place et qui permet de monter facilement en énergie en se hurlant dessus.

Attention, on ne parle pas ici d’un désaccord comme on a pu en parler avant mais bien d’une situation qui s’envenime brutalement et qui ne fait que « monter dans les tours » sans avancer.

Pourquoi c’est pas terrible :

Un conflit, tel que je viens de le décrire, sorti de nulle part, fait pour gagner du temps et montrer qui crie le plus fort, ne fait pas avancer l’histoire, ne crée pas d’enjeux. Pire il n’aide pas à caractériser les personnages et leur relation.

C’est souvent plus gênant qu’autre chose de voir deux improvisateurs s’hurler dessus plutôt que d’essayer de construire quelque chose. Sans compter qu’en général on reproduit des situations de dominations qui sont parfois évitables. Pensons au mari qui engueule sa femme, le père qui gronde son enfant, etc etc.

Enfin, quand on crée un conflit pour gagner du temps … Et bien ça se voit. Le public n’est pas dupe et se rend compte de la supercherie et n’attends qu’une chose : que ça passe.

Nous sommes conditionnés à ne pas aimer le conflit, de façon presque animale, c’est un instinct de survie. Alors quand on le voit reproduit sur scène alors que ça devrait être un moment de détente, le public, les comédien-ne-s, bref tout le monde, se tend.

Faut-il ne faire que des impros « bisounours » ?

Non bien sûr, un conflit entre personnages peut créer de l’enjeu, approfondir des relations, entretenir un suspense etc. etc. 

En revanche, pour qu’un conflit ait du sens et donne du poids à votre impro, il faut le préparer. Et préparer un conflit ça passe par être d’accord.

Il faut créer la connivence entre deux personnages, créer leur accord et leur entente avant de l’escalader vers un conflit. Il sera d’autant plus fort de voir une relation se détruire ou se mettre en danger par un conflit ouvert si celle-ci était crédible avant !

Le conflit peut être l’apothéose d’une impro et non pas une péripétie ou son début. Prenez le risque de créer une complicité et amusez vous à la mettre en danger en créant un conflit justifié.

Pour cela prenez des éléments posés précédemment dans l’impro et faites en le moteur, la source du conflit plutôt que d’inventer une raison de nulle part.

Enfin vous pouvez explorer d’autres pistes que celle de monter la voix et s’enguirlander comme des poissonniers, jouez sur d’autres tableaux émotionnels et vous irez sûrement dans des endroits inattendus.

Comment le travailler ?

En atelier créez et renforcez de relations entre les personnages. Posez vous toujours la question : « Qui est l’autre pour moi ? » et si vous n’avez pas la réponse, éclaircissez de suite.

Travaillez ainsi a créer du vécu entre vous. Puis amusez vous à pousser ces relations vers les limites (dans le respect de l’autre toujours hein). Basez vous sur ce que vous vous êtes donnés pour tirer des ficelles et voir ou ça vous mène.

Normalement au moment où vous vous direz « ça serait dommage que l’impro s’arrête maintenant » et que vous vous sentez pleinement en incarnation des personnages, c’est le moment de déclencher un conflit.

Relevez un détail, un élément de vécu commun (ou un élément extérieur mais c’est plus risqué) et servez vous-en pour tenter de détruire votre relation. Teintez cela d’une émotion (colère, tristesse, mais aussi dégoût, dépit, peur voire pourquoi pas, la joie ? ) et passez à l’action.

Logiquement si vous vous vous investissez dans cette rupture et l’effet n’en sera que plus fort.

Si vous n’épaississez pas votre relation, votre conflit ne sera pas intéressant. Après tout si dans Le Seigneur des Anneaux, Le Retour Du Roi on a tous pleuré quand Frodon renvoie Sam c’est bien parce qu’on & eu quasiment 3 films avant pour comprendre leur relation. S’il l’avait renvoyé à la première scène du premier film, bon bah ça ne nous aurait fait ni chaud ni froid.

J’espère que ces conseils vous aideront à vous améliorer dans vos impros et à utiliser le conflit à bon escient !

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Pourquoi on dit qu’il ne faut pas dire « non » ?

Lorsqu’on débute, c’est normal de refuser beaucoup, en général on a une idée de ce que l’on veut faire dans la tête et on a du mal à s’en détacher, on écrit trop en avance. De plus le stress du débutant en impro parasite le fil de la pensée, créant un bel effet tunnel qui empêche d’être conscient de ce qu’il se passe.
La posture d’improvisation va venir au fur et à mesure de la pratique et du travail, mais au début de son apprentissage de l’improvisation c’est tout à fait normal de galérer sur ce point là. Il n’y a pas beaucoup d’autres solutions que de travailler pour progresser sur ce sujet.
On entend souvent les formateurs dire « Tu as dit non là » « J’ai compté 4 « non » dans ton impro » etc etc.
A mon avis cela vient de la mauvaise compréhension d’un des grands principes de l’improvisation : l’acceptation. On souhaite que l’improvisateur-ice accepte la situation et fasse progresser l’histoire.

Un « non » vient mettre un stop à tout ça et ralentit le flux. On va donc naturellement interdire aux comédiens et comédiennes de dire « non ».

Pourtant il existe beaucoup de situation ou « non » fait avancer l’histoire ! Dans Star Wars, Dark Vador et son célèbre « Non, je suis ton père » est un pivot majeur de l’histoire. Dans la planète des singes (ancienne ou nouvelle version) le mot « non » est un moteur du scénario !
On a donc pris l’habitude, par mimétisme d’interdire le « non », pensant, à tort comme on vient de le voir, que celui-ci peut être destructeur. Mais qu’en est-il vraiment ?

Différencier le non du personnage et le non de la personne

La réalité que je perçois est que le « non » est bicéphale et chaque tête doit être traitée différemment :

• Le « non » du personnage : c’est un « non » diégétique prononcé par le personnage sur scène, dont les motivations et la pertinence découlent de l’histoire et de ce qu’il s’est passé avant.

  • Ex : Le « non » du Dark Vador. Ou dans le cas d’une impro, le personnage X a établit qu’il n’aimait pas sa belle-mère, pourtant Y lui annonce qu’il vont manger chez elle. X est tout à fait légitime à dire « oh non, j’ai pas envie ! » et de traîner les pieds.

• Le « non » de la personne (si vous saviez combien je me retiens de placer « Mon non est personne » ): Dans ce cas ce n’est pas le personnage mais bien le comédien ou la comédienne qui fait part de son refus. Ce qu’il ou elle nous dit c’est « je ne veux pas prendre cette direction ». On peut détecter ce « non » par le langage corporel, le changement de ton, etc. Dans ce cas on doit réfléchir plus précisément et passer au chapitre suivant.

NB : je parle bien ici des débutants, pas de vieux briscard qui vous mène par le bout du nez en refusant toute vos propositions pour faire ce qu’il veut, ça c’est être un mauvais improvisateur …

La zone du consentement

Parfois, sous prétexte d’acceptation totale ou de « il ne faut jamais dire non », on voit que certains comédiens outrepassent le consentement d’autres. Je vous invite à aller suivre le compte « Paye ton impro » qui documente largement ce sujet.
Je ne prétend pas avoir la solution, juste de vous proposer quelques pistes quand vous improvisez pour réagir face à une personne (non un personnage) qui vous dit non :

• Acceptez le refus : après tout c’est la base ! C’est l’acceptation ! Sinon vous allez faire quoi ? Insister ? Refuser son refus, la personne va refuser que vous refusiez son refus, etc etc, la belle boucle infernale. Et je vous parle même pas du taux de cringe qui peut monter en flèche. Acceptez le refus et profitez en pour explorer votre relation ! Par exemple : « Tu ne veux pas aller chez belle-maman ? C’est à cause de ce qu’elle a dit la dernière fois à propos des enfants ? » et hop vous partez sur autre chose. En plus ça mettra à l’aise l’autre car on change de sujet. Vous brillerez plus aux yeux du public aussi qui ne verra pas en vous un forceur… Bref, vous avez tout à gagner à accepter un refus. (Toujours dans le cas d’un débutant en face de vous hein, on traitera des vieux briscards fourbes une autre fois) 

• Prenez le temps de vous connaître. Parlez du consentement en atelier ou avant la représentation. Si vous jouez avec des comédien-nes que vous fréquentez régulièrement, vous allez avoir une plutôt bonne idée de ce que vous pouvez faire ou non, de la réaction de l’autre, etc. Si vous ne les connaissez pas (par ex : match d’impro avec des troupes invitées) parlez entre vous avant des limites de chacun et respectez les.

Enfin, ne validez pas les comportements qui vont au-delà du consentement. je vous renvoie à Paye Ton Impro encore une fois. Prenez position fermement, on ne fait pas n’importe quoi avec les autres …

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Pourquoi on pose une question en impro ?

On dit souvent aux débutants et débutantes de ne pas poser de questions. C’est globalement vrai. Mais pour être précis, les questions que l’on veut éviter sont celles posées par le-a comédien-ne, le personnage, lui, peut poser des questions si besoin, du genre « Je sais, Christophe, que j’ai été horrible, mais peux-tu me pardonner ? »

Je pense plutôt aux très classiques « Mais qu’est-ce que tu fais ?« , « Qui êtes vous ? » ou encore « Que faites vous ici ? » qui sont très courants chez les novices.

Ces questions sont parfaitement naturelles, il est tout à fait normal de les poser. En effet, devant une situation incongrue ou difficilement compréhensible, dans la vie réelle on va poser ces questions.

Enfin, c’est ce qu’on pourrait croire. Il est très rare que deux personnes se rencontrent sans savoir pourquoi en réalité. Si quelqu’un vient chez vous et s’affaire sous votre évier, c’est vraisemblablement un plombier que vous avez contacté ! Vous n’allez pas lui demander ce qu’il fait là.

En impro donc, pourquoi poser ces questions ? C’est tout simplement un manque de confiance. Vous n’avez pas appris à prendre le lead, à assumer ce qu’il se passe, à lever les ambiguïtés par vos propositions. Alors naturellement vous renvoyez la balle à l’autre. En plus, vous n’avez sûrement pas envie de mal interpréter la gestuelle de l’autre. Et je ne compte pas si vous avez peur de la faute de « rudesse » dans le cadre d’un match d’impro…

L’inconvénient c’est que ce n’est pas naturel et le public s’en rend compte. D’autant que vous, en tant que comédien ou comédienne, vous vous mettez en position de vous faire mener par le bout du nez par votre vis-à-vis.

La solution : fake it until you make it :

Il y a deux astuces derrière ça. La première est une mini gymnastique mentale qui une fois maîtrisée devient naturelle et vous évite le piège :

• Au lieu de poser la question, dites la.
  • Ex :
    • « Qui êtes vous monsieur ? » devient « Mr le plombier, je vous attendais ! »
    • « C’est votre voiture ça ? » devient « Votre voiture me gène ! »
    • Plus difficile : »Qu’est ce qu’on fait ? » devient une action ou « faisons X »

L’autre astuce vient avec l’expérience et l’assurance : assumer le lead. L’autre propose une action qui n’est pas claire ? C’est à vous d’interpréter. La situation est confuse ? Clarifiez là. Tant pis si vous pensez « manger » le jeu de l’autre, la situation mérite d’être claire et tout le monde s’en portera mieux.

Bien sûr ces deux astuces marchent d’autant mieux que vous maîtrisez les fondamentaux de l’impro que sont l’écoute et l’acceptation.  

Bonus final : Si l’on vous pose une question du type « qu’est ce que vous faites là ? » « Qui êtes vous ? » Etc, répondez « Tu connais la réponse à cette question » effet garanti Cela forcera l’autre à se positionner et à assumer. Attention cependant ça reste une peau de banane et ça vous décharge d’assumer votre proposition à vous.

Voilà pour ce premier truc ! S’il vous a été utile partagez le et si vous avez une expérience à partager, les commentaires sont ouverts !

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